ComunicArte

Viaggio tra le nuove forme d'arte.

Nate per comunicare.

Artisti 2.0

Le zanzare del web

Ronzio assordante. Veloce. Dinamico. Sono le zanzare del web, tastiera in mano e occhi sul monitor. Pronte all’invasione. Il ticchettio dei tasti è il fischio di partenza, eppure si protrae per tutta l’impresa. Un ritmo incalzante. Da schiene dritte e fronti corrugate. Fino al contatto che rilassa i muscoli. Ecco, l’iniezione.

Sono gli artisti di oggi, ancora in bilico tra realtà e finzione. Vestiti di ali leggere. Col pungiglione in trappola, infilzato com’è nella rete. Legati al mondo, loro che volevano liberarsene. Il primo contatto basta a succhiare via ciò che viene. Contenuti, link, post. Un pasto veloce quanto un click.  Sono zanzare insistenti, curiose. Sorseggiano idee per riempirsi la pancia e crescere ancora. Poi si staccano, lasciandosi dietro schiere di colline pruriginose, il loro gentile apporto al paesaggio informatico. È nell’avventura del web 2.0 che l’arte lascia i retroscena d’élite per abbracciare il grande pubblico. Le basta abbandonarsi a quel gioco di relazioni e interazioni che la rendono accessibile a tutti. È lì che si consuma lo scambio equo tra l’artista e il suo mondo di riferimento. La regola è condividere. Dare e ricevere allo stesso tempo. Seminare, per poi raccogliere. 

Il nuovo esemplare di insetto nerd è l’artista digitale, che non è solo chi elabora contenuti tecnologici a partire dal web, ma chi si rende fruitore e creatore allo stesso tempo. Promotore dell’arte e di se stesso. Pioniere di mondi futuri. Internet fa da culla a un mondo di artisti emergenti che, per la prima volta, sono in grado di aggirare le barriere d’entrata del mercato di settore e offrirsi alle luci della ribalta. I vestiti di scena sono marketing e comunicazione. E può farlo chiunque. Basta creare un proprio blog e affacciarsi da una delle tante vetrine online (www.artgallerycaffe.com, www.artenelbaule.com, www.pittart.com ecc.), dove è possibile ottenere visibilità.

In un’epoca in cui le informazioni non si bloccano in ingorghi di spazi ristretti e tempi stabiliti, per andare avanti basta un piede sull’acceleratore e un motore (di ricerca!) che gira. La democratizzazione dell’arte permette a tutti di investire nel settore. Di trarre vantaggio dalla propria attività artistica. Talento e creatività sono le vostre armi competitive. Un feedback costante vi permetterà di rimanere in carreggiata, vi aiuterà a capire cosa funziona e cosa no. Volate, zanzare. Volate.  

Lorena Spampinato

ComunicArte

La street art e le forme d’arte del nuovo millennio. Parola d’ordine: condividere il messaggio.

Boom! Nuove forme d'arte costellano le nostre città. La Casio ha affidato la promozione del proprio prodotto simbolo – l’orologio G-Shock – a due street artists, Duty Gorn e Mr. Wany, con il compito di rivisitare il tempo in chiave artistica. Il writer Pao, in collaborazione con la Motta, ha accompagnato le giornate milanesi di shopping dipingendo sui tram i principali simboli di Milano e del Natale. Il volto di Assange (fondatore di WikiLeaks) è divenuto uno stencil per molti street artists, utilizzato come simbolo di protesta civile. Il comune di Faenza, in provincia di Ravenna, ha incaricato i writers di valorizzare gli spazi del centro storico con le proprie opere. A Roma, fino al 31 Gennaio 2011, la parola d’ordine è Street Art: cinque artisti hanno realizzato progetti site-specific negli spazi di Casa delle Letterature per esprimersi sulle contraddizioni della vita. 

Le manifestazioni artistiche del ventunesimo secolo - tra le quali soprattutto la Street Art -  contagiano tutti, esperti e non, riscontrando sempre più consensi in ogni ambiente della società. Convergono, però, in un unico intento: comunicare un messaggio a chiunque vi entri in contatto. Uno dei maestri della comunicazione artistica è Iginio De Luca, diplomato all’Accademia di Belle Arti di Roma e Professore all’Accademia di Belle Arti di Torino. Vanta un curriculum di oltre venti mostre, tra personali e collettive, ed è uno dei principali promotori delle nuove forme d’arte: dalla Street Art alla pittura, dal video all’installazione, dal suono all’elaborazione fotografica. De Luca è riuscito in imprese quasi cinematografiche: proiettare un gregge di pecore sulla facciata di Palazzo Chigi il 14 Dicembre 2010, giorno della tanto discussa fiducia al governo Berlusconi e, precedentemente, riprodurre la scritta “LAVAMI” sul luogo inaccessibile e inviolabile per antonomasia, la Cupola di San Pietro. «Ho scelto la cupola, la star delle cupole – ci spiega De Luca – perché incarna in un colpo solo il massimo grado di metafore religiose, politiche ed artistiche. Ho scelto una parola, una sola parola, che in sintesi comunichi più cose contemporaneamente. Mi piaceva l’idea di partire da un luogo comune, una frase popolare come “lavami” ed atterrare su un contesto che è unico, anti-democratico e snob per eccellenza.  L’accostamento di questi elementi genera poi le metafore del caso e le conseguenti letture». Quella che è piombata sul Vaticano, però, è solo una delle opere di De Luca; nel suo bagaglio artistico presenziano innumerevoli lavori che, in un certo senso, rompono con la “vecchia arte”: «E’ difficile spiegare a parole ciò che generalmente si comprende con la vista e l’udito. Ultimamente, soprattutto nei video e nelle installazioni sonore, ho un approccio ironico e provocatorio su diversi aspetti della realtà: il rapporto paradossale tra micro e macro, tra l’infinitamente piccolo e l’immensamente grande; la smitizzazione del potere, l’irreale ufficialità di certe istituzioni; lo sguardo disincantato e alternativo sulla natura e la quotidianità, gli equivoci e gli aspetti grotteschi della nostra vita».

Dunque la parola chiave è comunicare. Oggi viviamo in una società in cui si ha sempre maggior bisogno di esprimere qualcosa agli altri (facebook ne è l’esempio più palese), e la Street Art sembra proprio rappresentare quest’irrefrenabile necessità: «Quest’arte ha a che fare con una disponibilità di materiali infinita che sono quelli della città e dello spazio pubblico. Senz’altro questa forma di comunicazione rispecchia in pieno il bisogno di diffusione massima del messaggio; in più c’è la sorpresa e l’eclatanza di un’azione che invade gli spazi comuni non d’élite; è un’arte democratica fruibile da tutti che non ha bisogno dell’ambiente asettico di certe gallerie private». Non sempre, però, le manifestazioni artistiche all’interno di spazi pubblici hanno un esito positivo. Molto spesso si fa confusione tra arte e “imbrattamento”. Come riconoscere un’opera d’arte dal resto? «Quando togliamo il primo velo e scopriamo se sotto c’è qualche strato in più o solo il pavimento; quando alla base del lavoro c’è ricerca, originalità, visionarietà e anche poesia. Quando al di là della tecnica c’è l’emozione e il coraggio, quando chi parla riesce a essere autentico e nudo e non un illusionista o un venditore ambulante, con tutto il rispetto per i venditori ambulanti».

Le radici dell’arte “della strada” potrebbero essere considerate antichissime; si pensi che già nella preistoria i primitivi dipingevano sui muri. Oggi, però, viene considerata come arte del domani. «Le forme dell’arte del futuro, come del nostro presente, sono varie e tutte valide perché comunicano e colpiscono. C’è chi sceglie la tela, chi l’immagine elettronica e chi il muro. Quello che conta è tanto il mezzo quanto il contenuto, l’idea e il felice connubio di questi elementi. La street o la public art sono linguaggi che esprimono un’energia che esce dai canoni, dagli stereotipi e rischia perché si tuffa nel terreno globale, raccogliendo consensi e critiche».

Dunque l’arte diviene, in un certo senso, “pubblica”, in quanto entra in contatto con chiunque, senza alcuna distinzione: è fruibile sia da chi è interessato, sia da chi non lo è.  Nell’immaginario collettivo si è spesso ritenuto che l’arte fosse di competenza esclusiva della gente “colta”, ma l’avvento delle nuove forme artistiche potrebbe aver sancito la fine dell’inscindibile binomio arte-cultura: «Si e no. Ciò non è sempre detto. Oggi come in passato, l’arte trova consensi popolari o circoscritti, a seconda della sua forma di espressione. A mio avviso, però, esiste un terreno comune di intesa e una possibilità di incontro tra l’arte e i famosi “non addetti ai lavori”. Anche se un’opera non è totalmente capita o non riesce a comunicare tutto quello che aveva da dirci, qualcosa arriva sempre a chi sa e vuole ascoltare, magari ci sussurra un’emozione, ci ricorda un momento della nostra vita o ci parla di un oggetto quotidiano come non l’avevamo mai visto». Concludiamo con uno sguardo al futuro. Qual è il prossimo obiettivo da realizzare? «Non so… Potrei proiettare l’immagine dei nostri politici su Marte per dirgli quanto sono fuori dal mondo e dai suoi problemi. Oppure installare delle microcamere nelle stanze del Papa per mostrare che è umano e “concreto”; magari si sporca la tonaca perché mangia un piatto di bucatini, proprio come tutti noi».

Alessandra Micelli

Luigi Vocalelli

New Burlesque

Come salvare il mondo in guepiere

La città è veramente perfida, quando si tratta di spot pubblicitari di intimo o della scena dei reggiseni bruciati dalle femministe, sembra quasi che la donna sia qualcosa di spaziale che deve fare ritorno in una delle più popolate valli di lacrime: ma questa è un’epoca più pacata e i cinici sono i vecchi romantici. L’aria che c’è fuori è grigiastra, umida, si porta dentro una giornata d’inverno: non per fare la donna impegnata che non ha voglia di farsi i capelli, ma è quasi automatico pensare che ci sarà tempo per sentirsi belle. Il ghigno che parte di sfuggita, specchiandosi in una pozzanghera, non è convincente, ma fa freddo e il reggiseno sarebbe utile bruciarlo solo per scaldarsi mani e piedi.

L’intolleranza si fa più tenue quando si comincia a scendere, giù per una scala a  chiocciola, da vertigine. Le pareti sono tappezzate di locandine di vari spettacoli di danza e la discesa negli spogliatoi e nelle aule prova, ha del dantesco: la guida è “La Dyvina”. La Dyvina oltre ad essere un’artista di fama internazionale (vanta infatti numerose collaborazioni come coreografa, ballerina e attrice) insegna Burlesque allo Ials di Roma: i suoi occhi sanno dire molto bene ed è anche questo che appassiona le sue allieve.

Il New Burlesque è un’arte presente in America, già da 15 anni mentre in Italia è un fenomeno molto recente, importato dai buongustai del mondo che vogliono farcene assaggiare una fetta. Che poi quando si tratta di riscoperte, il Burlesque è l’abbecedario degli scettici un po’ timidi. Di solito si interessano a quest’arte - perché di una forma d’arte si tratta - solo ed esclusivamente donne; gli uomini, come dice Alessandro Casella, direttore artistico del Micca Club di Roma, restano in disparte, non riescono a guardare uno spettacolo di donne che si spogliano e fanno della seduzione un gioco, soprattutto se poi, una delle donne è la propria moglie o la propria fidanzata. Le ragazze tornano sempre alle lezioni, sorride La Dyvina, la maggior parte delle volte sono impacciate, specialmente se non hanno mai studiato danza, ma sanno di potersi sentire donne, sanno che il modo del Burlesque, della seduzione ironica, sarà il loro modo, e quando l’hanno trovato si vede con gli occhi che sono rinate.

Alle lezioni si procurano sempre qualche indumento o accessorio nuovo, per travestirsi, ma raccontano di sentirsi meglio nella vita: rinascere come donne, in questi ambienti non è un discorso da femministe d’altri tempi, è come aver riscoperto una lingua già conosciuta e averla fatta propria, tanto da poterci ammiccare e ridere su. “Donne tornate!” è il suo invito, tornate dal lontano ’58, quando Federico Fellini si aggirava per Via Veneto e si lasciava ispirare per “La Dolce Vita”, ignaro del fatto che il nuovo secolo  avrebbe riscoperto quel mondo per nascenti Paparazzi.

Martina Rosella

Alessandra Russo

Serena Venafra

A lezione di burlesque!

GUANTI: Sfilate i guanti lentamente, tirando un dito alla volta con i denti, per poi strapparli via con l’altra mano.

CALZE: Poggiate la gamba su una sedia e fatele scendere con entrambe le mani. La calza va poi sfilata partendo dalla punta e portando la gamba indietro come Sofia Loren.

SORRISO: l’obiettivo è quello di burlarsi anche del sesso. Gli ammiccamenti sexy ci sono, ma sono esagerati, talvolta addirittura parodiati. Perché l’essenza del Burlesque è questa: divertire e soprattutto divertirsi.

Volete saperne di più? La Dyvina vi aspetta per il resto.

Body art di seconda generazione

Il corpo: chiave del nostro profondo

L'arte è rivoluzione. Da sempre combatte le convenzioni armandosi di ciò che possiede. Sulla scena, come sulla tela e nel pensiero intellettuale in sé, il corpo è il suo mezzo prediletto. Su questo impianto, nasce e si diffonde, già dai primi anni ’60, la Body Art. E, con essa, la possibilità di comunicare l'ideale attraverso la materia. Con la body art il corpo diventa un soggetto attivo, protagonista dei cambiamenti del suo tempo. Creatore di forme e contenuti nuovi che si distinguono per poliedricità, capacità visionaria, radicalità e profondità. Da qui, il fondersi e lo scontrarsi delle diverse personalità artistiche che fanno del corpo un mezzo sempre nuovo alla ricerca di un’identità perduta. C’è chi identifica il proprio corpo come un involucro da modificare a proprio piacimento. Un guscio in cui ogni parte dell'insieme equivale all'altra. É il caso di Marco Fioramanti, Kyrahm e Julius Kaiser, noti performer sperimentali nel campo della body art estrema,insigniti a New York del “Celeste Prize International sezione performance art” (2010). “L’orecchio è come il pene se il corpo è solo un involucro” afferma Kyrahm. Questi artisti si rifanno principalmente alla teoria queer, che mette in discussione la naturalità dell’identità di genere. Nei loro spettacoli, transessuali con caratteristiche fisiche dei due sessi spiegano la morte della sessualità e la mutevolezza del tempo. Corpi esposti al dolore e alla sofferenza presentano l’uomo nella sua nascosta essenza di strumento filosofico alla ricerca del nuovo e dell’imprevisto.

Per altri, invece, il corpo fatto ad arte è trasformazione. Una metamorfosi che salva l’uomo dalla quotidianità. La pensa così Guido Daniele, body painter riconosciuto a livello mondiale e collaboratore di famose multinazionali, tra cui la Muller. L'artista ha dato vita ad un nuovo filone del “body painting”, da lui stesso definito “hand painting” (pittura delle mani). Mani che si trasformano in animali, alberi, luoghi. Mani in divenire, dunque. “La fantasia è dentro di noi e siamo noi a doverla coltivare”, dice Guido Daniele. Non si tratta di un semplice travestimento sulla falsariga del carnevale brasiliano, ma di un’interpretazione del corpo che tende al riavvicinamento dell’uomo alla natura e alla propria cultura e identità. Lo spettatore può così trovarsi di fronte a un’opera fuori dal comune, capace di dar sfogo alla fantasia e di far rendere conto, con una buona dose di quest’ultima, che tutto può essere un’altra cosa. Nasce dunque una nuova body art che, pur essendo estremamente variegata e persino conflittuale al suo interno, è capace di studiare e capire il corpo nelle sua avventura tra artificiale e naturale. Tra biologia, biotecnologia e mercato. In questo “mare magnum sconosciuto” affiora l’uomo. Con i suoi contrasti e i suoi abissi suggestivi. Ecco allora che nascita e morte si attraggono. Piacere e dolore si afferrano. E realtà e finzione s’inghiottiscono. In quel campo di battaglia che è il corpo.

Davide Uccella

Michela Lubrano

Comunicare nome e stile attraverso la “Tag”

Il writing

Scarabocchio, sfregio, imbrattamento, deturpazione, scempio. Arte. Storicamente associato ad un’immagine negativa, caratterizzata da sobborghi periferici e culture emarginate, il writing sta oggi ottenendo il riconoscimento artistico che gli appartiene. “In passato i writers sono stati condannati, bistrattati, sminuiti e banalizzati a causa della diffusa disinformazione riguardo la loro cultura. Siamo stati etichettati come ragazzini imbrattatori, spesso arrestati o addirittura sparati, come nel mio caso”. Così Rae Martini, caposcuola del writing newyorkese in Italia e affermato artista contemporaneo, delinea il movimento alla sua origine.

Rae Martini è stato promotore del graffitismo per quindici anni, e ne ha sempre sostenuto la rispettabilità artistica. “Non ho mai scritto su monumenti e, qualunque graffito abbia fatto, è sempre stato il risultato di uno studio cosciente e accurato. Nei miei lavori c’era una componente di istruzione paragonabile a tre lauree”. Oggigiorno il graffitismo ha ottenuto approvazione artistica a livello internazionale: in tutto il mondo si organizzano mostre ed esposizioni dedicate a tale corrente. Il writing, nato nei primi anni settanta nelle grandi metropoli statunitensi, giunge in Italia dieci anni più tardi diffondendosi però solo negli anni novanta come fenomeno sociale e culturale di massa. L’elemento fondante del graffito, che per altro lo contraddistingue dalle altre forme artistiche che utilizzano la strada come media, è la tag.

“Nel writing – ci spiega Rae Martini – lo scopo predominante è quello di comunicare il proprio nome, la tag appunto, che viene piazzata in più punti possibili e si evolve cromaticamente con le tecniche del wild style. Accanto alla comunicazione del nome vi è quindi lo studio dello stile (il lettering), altra matrice culturale di questo movimento, che ogni artista cerca sempre di migliorare e personalizzare”.

Il writing, proprio perché avviene su strada, è uno dei movimenti che ha reso l’arte disponibile a tutti: “È fruibile da tutti perché viaggia su dei media che sono urbani e aperti. Non c’è bisogno di andare nei musei o nelle mostre per poterne godere. La bellezza di questo movimento risiede proprio nel fatto che chiunque può entrarvi in contatto e andare ad indagare e scoprire tutte le sue avvincenti sfaccettature”.

Alessandra Micelli

Luigi Vocalelli

FLASH MOB-WE WANT TO BREAK FREE!

La generazione 2.0 non può farne a meno:“mobilitazione lampo” di giovani che si danno appuntamento in luoghi pubblici ad un’ora stabilita per fare qualcosa di insolito tutti insieme. Questo è il flash mob, diventato ufficialmente una delle nuove frontiere dell’intrattenimento di massa.

Come si organizza un flash mob? Ne abbiamo parlato con Giorgio Marandola, uno degli organizzatori del gruppo Flash Mob Roma. Per organizzare un flash mob l’elemento fondamentale è internet, configurato ormai come strumento aggregatore per eccellenza. Attraverso il macro canale di Facebook e tramite i blog viene comunicato l’evento, indicando ora e luogo dell’appuntamento, e successivamente si richiama l’attenzione dei media attraverso mail e comunicati stampa. Uno dei flash mob più popolari organizzati da Giorgio Marandola e dai suoi collaboratori, che ha richiamato anche l’attenzione della RAI è quello realizzato per festeggiare il compleanno di Roma, lo scorso 21 Aprile, dove un gran numero di persone ha effettuato un girotondo attorno al Colosseo, riuscendo a chiudere il cerchio. I flash mob attirano così tante persone, secondo Marandola, perché sono un modo per interrompere la quotidianità, sono un temporaneo distaccamento dalla routine di tutti i giorni e rappresentano un momento di evasione-condivisione che permette di esprimersi liberamente, di lasciarsi andare. E’ la possibilità di fare qualcosa di effimero e insensato per il puro piacere di farlo. A questo punto però la scuola di pensiero si divide: i flash mob nascono infatti come forma di manifestazione espressiva spontanea e a scopo ludico; ma successivamente e in alcuni casi, grazie all’attenzione che hanno richiamato su di sé, sono stati oggetto delle mire di aziende che hanno richiesto ai vari gruppi che li organizzano di dar vita a flash mob specifici da utilizzare come campagna pubblicitaria originale e fuori dal comune, e per riuscire a conquistare spazi pubblicitari che tramite una normale manovra di advertising sarebbero troppo costosi da procurarsi, come ad esempio nel caso di Trenitalia che si è rivolta al gruppo Flash Mob Roma per la promozione “FrecciaRosa”,indirizzata a un target più giovane, da qui la scelta di utilizzare un flash mob per sponsorizzarla. Alcuni gruppi però si rifiutano di organizzare flash mob per conto di aziende, ritenendola una “strumentalizzazione di un evento che ha sempre un certo richiamo”, come ci ha detto Fabio Mauri, uno degli organizzatori di Flash Mob Society.

Veicolare un messaggio che può essere commerciale o ideologico a un determinato flash mob, consiste nel privarlo della sua natura, che lo ritiene invece libero da qualsiasi contenuto se non quello di atto effettuato pubblicamente, in presenza di pubblico e in partecipazione di pubblico, al solo scopo di evadere dalla normalità, di fare qualcosa di insolito insieme ad altre persone e soddisfacendo, perché no, anche il lato egocentrico di ciascuno di noi, quello che vuole solo staccarsi dal continuo flusso di normalità per lasciarsi andare, trovare qualcosa di spontaneo per divertirsi, per comunicare, ancora, il desiderio di fare ed essere qualcosa di più.

Evelina Montefiori

Marcella Polo

Watching Music

El coro de las manos blancas

With a wave of white hands the concert began. Young and happy faces filled the stage. A sound of music began to fill the room and all of a sudden the children were accompanying the orchestra with the gesture of their hands, not a word left their mouth. They continued to express themselves with such grace and an understanding of the music it was hard to believe that they were not able to hear anything. The music was being told like a story by these unique individuals, their own story. They didn’t miss a beat as they quickly followed their professor who was promptly placed in front of them.

The group that was on stage was Las Manos Blancas. It was only in 1995 when Jhonny Gòmez began to wonder why the Stage Foundation for the national system of the youth orchestra of Venezuela did not give the possibility to the deaf to become part of the program. The group was finally created in 1999 with the idea to involve children with hearing disabilities in the art of making music. They were instantly encountered by many questions, don’t you need to hear the music to make it?

Obviously not. Their hard work and dedication was recognized in January 2010 when they received the Nonino Risit D’Aur Award. Las manos blancas continue to use their talent which becomes an art of expression. “Just like a person, with no disabilities interprets the music, a person with hearing disabilities does the same, however using their hands and their body expression” says Jhonny Gòmez.

This is the art of movement in its purest form. There are no limits.

Alexandra Spinelli

Guardare la musica

Il coro de' La Manos Blancas

Un'onda di mani bianche dà inizio al concerto. Facce giovani e felici riempiono il palco. Un suono inizia a diffondersi nella sala, quando all'improvviso i bambini cominciano ad accompagnare l'orchestra con movimenti delle loro mani. Non una parola esce dalla loro bocca. Muti. Continuando a esprimersi con una tal grazia e sincronia con la musica, risulta difficile credere che non siano in grado di sentire nulla. E' qui che la musica prende forma, la forma di tante mani bianche, che la raccontano e la esprimono. Il loro talento, e quello della direttrice che li guida, non permette loro di uscire fuori tempo.

Il coro sul palco è quello de' Las Manos Blancas. Tutto iniziò 1995 quando Jhonny Gòmez cominciò a chiedersi come mai il Sistema nazionale di orchestre giovanili e infantili del Venezuela non desse la possibilità di partecipare anche a ragazzi disabili. Nel 1999 il progetto nacque con l'obiettivo di coinvolgere bambini non udenti, dando spazio a numerose perplessità ormai superate.

"Così come una persona normalmente udente interpreta la musica, allo stesso modo fa una persona non udente, attraverso le proprie mani e il proprio corpo" dice Jhonny Gòmez.

Da quando, nel 2010, il loro talento è stato riconosciuto dal Nonino Risit D’Aur Award, Las Manos Blancas continua a regalare il sogno di un movimento allo stato puro che, in quanto tale, non conosce limiti.

Alexandra Spinelli

Donner de l'art

La Compagnie « Quelque Part »

Le vrombissement d’une voiture résonne à quelques mètres du parvis de la cathédrale de Strasbourg, pourtant place piétonnière. Monsieur Muller se retourne mais ne voit rien, hormis deux passants portant chacun une valise, diffusant un montage sonore. Son attention est éveillée, les danseurs peuvent désormais se déployer dans l’espace. Monsieur Muller habite depuis trente ans à Strasbourg mais il ne regarde plus la cathédrale, il marche vite, persuadé de connaître la ville comme sa poche.

       Le premier spectacle de la Compagnie « Quelque Part », née en 2009, s’engage à redonner de la considération à des lieux délaissés en questionnant le passant-spectateur sur sa manière de se déplacer, de s’orienter dans l’espace, dans son espace.

Pour Sylvain Sicaud, danseur et metteur en scène, l’essence du spectacle de rue est dans l’interaction avec le public. Le spectateur est également créateur, donnant un sens nouveau à la scène dans laquelle il est projeté soudainement.

       En 2010, avec le spectacle 100, la compagnie invite des amateurs à se joindre à la pièce. Ce spectacle équilibriste promeut le développement du vélo en ville comme mode de vie sain, pour soi, pour les autres et pour son environnement.

       Le dynamisme de la toute jeune Compagnie Quelque Part fait d’elle un acteur essentiel des arts de rue à Strasbourg « où les initiatives restent rares » regrette Sylvain Sicaud. Tous les mois d’octobre depuis quatre ans, la « Journée internationale des arts de la rue » défend la liberté d’expression dans l’espace public. Voici l’ère de l’artiste-citoyen.

Donare l’arte

Il rombo di una macchina risuona ad alcuni metri del sagrato della cattedrale di Strasburgo. Il signor Muller si volta, ma non vede niente. Solo due passanti con in mano una valigia che diffonde un montaggio sonoro. Si guarda intorno. Il signor Muller abita a Strasburgo da trent’anni, ma non guarda più la cattedrale. Poi succede qualcosa. Il signor Muller si volta. Lo spazio davanti a lui è riempito da corpi in movimento. Alcuni danzatori si spiegano nello spazio.

È il primo progetto della compagnia Quelque Part, nata a Strasburgo nel 2009. La sfida di questi artisti di strada è quella di inghiottire la frenesia quotidiana dei passanti interrogando il passante-spettatore sul suo modo di camminare, di orientarsi nello spazio, nel suo spazio.

“L’essenza dello spettacolo è l’interazione con pubblico”, dice Sylvain Sicaud, danzatore e regista. Ecco che lo spettatore diventa protagonista e dà un senso nuovo alla scena nella quale è proiettato improvvisamente.

Con lo spettacolo 100, la compagnia invita dei dilettanti ad unirsi a lei. Questo spettacolo d’equilibrio promuove lo sviluppo della bicicletta nella città, come simbolo di una vita sana ed equilibrata. La Giornata internazionale delle arti di strada gli ha invece permesso di presentare il suo novo progetto per il 2011. Una serie di performances di cui la prima si intitola Danse à la demande (Danza a richiesta). Grazie a un computer connesso ad internet, Sicaud invita il pubblico a scegliere una musica su quale improvvisa una coreografia. Il dinamismo della giovanissima Compagnie Quelque Part fa di questa una protagonista essenziale delle arti di strada a Strasburgo «dove le iniziative sono rare» rimpiange Sylvain Sicaud. Anche il signor Muller si avvicina. Tocca con mano. Ride Quando alza lo sguardo, la cattedrale è più bella che mai.

Alexandra Castelletti

Body Art: Il Volto delle Parole (video I)

Body Art: Il Volto delle Parole (video II)